Bohemian Rhapsody - Música y solo música

Ya había sido advertido sobre las carencias del film de Bryan Singer (que lo corrieron por abusador) y luego de la última ceremonia de los oscars las críticas fueron aún más duras, y en su mayoría con justa razón.

El film si bien no peca ser aburrido si lo hacer de simplemente no tener un enfoque claro, sombra la vida de Freddie Mercury, solo tenemos una línea base con un montón de pizcas de otros temas y lecturas mucho más interesantes que lo mostrado (aunque eso no haría la película el exitazo en que se convirtió).

El film inicia con un joven Freddie y sus conflictos de joven no-blanco en los 70 hasta que se topó con su futura banda y rápidamente tienen éxito. Y ahí tenemos el primer problema, el ritmo es esquizofrénico, al no tener un conflicto en la banda hasta ya muy adentrada la segunda mitad realmente. 

Uno pensaría que el enfoque tiene sobre su raza, y su alejamiento de sus raíces para ser el mismo. Esta temática de que la gente de color por regla deben tener contacto con sus raíces, osea tener un nivel de autenticidad para aprobación ha sido un tema de debate en los últimos años, y habla mucho del racismo implícito actualmente. Mercury se cambia hasta el nombre, adquiere una apariencia más “blanca” entre otras cosas y su familia tiene un cierto miedo en que se aleje de las costumbres, pero el film tampoco va por ahí realmente, es otro ”topping” a la mezcla. Al igual que Green book donde establecen al Shirley como alguien alejado de la cultura negra, pero todo queda en subtexto sin una reflexión o discurso al respecto.

Luego tenemos el punto controversial, la manera en que la sexualidad de Freddie es ilustrada. Partiendo al éxito, no es ningún secreto que una de las razones es porque el FM con sexualidad no normativa y descontrolada no fue mostrada como debía, hubo tomas sutiles porque esa información es de conocimiento público, pero siempre con un dejo moralino al respecto. 

Freddie está solo, mientras que sus compañeros heterosexuales tienen mujer porque él es un maricón hedonista, nunca hay una confrontación hacia la homofobia que sufrió en su entorno social y familiar. Todos lo miran raro y quienes lo aprecian lo hacen casi como si fuese una mascota (digo, a como está ilustrado en el filme que sabemos perfectamente que no es 100% fidedigna), hasta que el lamentablemente contra el VIH. Tenemos su vida (más o menos) con su primera esposa, más básicamente nada de su relación con su compañero masculino hasta su muerte en 1991.

A nivel de producción, es bastante digna desde la época, el vestuario y la fotográfica y por supuesto la música. Sin embargo, como han dicho varios la edición es desafortunada, es estilo sobre sustancia, no hay nada de malo en romper las reglas y hacer multicortes, si la escena lo requiere pero en ningún momento de film hace falta esa clase de edición.  

Pero supongo que todo ese tiene un propósito, que la gente vaya a oír la música, vean lo que ya medio se sabe de Mercury y que algún fan que sea homofóbico no piense en su “ídolo” como un ser humano y su identidad sexual/racial es mucho más relevante de lo que parece, si no en un objeto para entretenimiento. Esto mejor representado no pudo estar en el final, lo cual son casi 20 minutos de Queen en el concierto y ni siquiera se puede uno quejar pues a eso venimos ¿no?

Tag - Gringos ¿siendo gringos?

Estudiando escritura de cine, te dicen que una manera de adquirir ideas es viendo el periódico, artículos, etc., encontrar esa anécdota que dará el boom para un guión completo (cosa que es más complicada de lo que suena). Uno tiene tantos problemas para crear historias que cuando ve cierto tipo de películas se pregunta si esto fue aprobado, ¿podría yo tener una oportunidad? Entre esas anécdotas absurdas para convertirse en filmes está la historia de un grupo de americanos que juega a las atrapadas durante la edad adulta, lo cual lo vuelve mucho más extremo al crear diversas y locas maneras de atrapar al otro.

La premisa de “Tag” es la misma, un grupo de cinco amigos (originalmente eran nueva y todos blancos, lo digo porque ahora uno de ellos es negro) quienes jugaban a las atrapadas desde niños y ahora de grandes cada mayo el juego regresa, no importando distancia o circunstancias, unos tienen que hacer alianzas hasta con sus esposas para hacer el asunto más interesante, todo con tal de mantener su amistad.

Un esperaría un trama muy loca con un montón de cuarentones haciéndose bromas pesadas, mientras estos se mantienen unidos. Pero el guionista no fue capaz de mantener una trama que juegue con eso durante 100 minutos. En vez de eso tenemos efectos especiales y fotografía de película acción, un tema poco ilustrado, y una serie de personajes clichés. Mientras que en la anécdota real todos aparentemente son profesionistas exitosos con familias, aquí tenemos al ejecutivo impotente, el junkie, el virgen, y ¿el espía secreto? Y nuestro protagonista es el alegre, el que solo ve el juego para que todos se reúnan y se vean al menos una vez al año.

Es realmente un desperdicio ver gente como Ed Helms, Jon Hamm e Isla Fisher quienes sin duda tienen carisma pero no pueden salvar el atroz guión y se ve claramente que fue por un pago fácil y rápido. Luego tenemos a Jeremy Renner quien se ha desaparecido de Infinity War, no por obra de Thanos, sino por obra de andar de Neo de Matrix para que sus amigos no lo atrapen ¿en serio? Del resto no hay mucho que decir.

Creo que lo peor de todo es la manera en que nos trata de manipular la película, ya que después de chistes tontos y hasta mezquinos (que podrían funcionar con gente más inteligente detrás), de repente volvamos al eterno cliché “ah si nuestra estúpida película tiene que ser sobre algo, de preferencia emocional...”. Y el personaje de Ed Helms de la nada tiene un padecimiento fatal y eso es lo que al final une a los amigos y no el mentado juego.

Si fueran más cínicos podría ser una crítica social a la diversión de americanos clase medieros o clase alta, sus actividades frívolas, pero que de alguna manera irónica se mantienen unidos, ya que de acuerdo con el articulo de WSJ, hasta sus jefes estaban involucrados (¡mira cuanta confianza!). Pero supongo que eso no les sentaría bien a los involucrados, es por eso que a pesar de la tonterías casi surreales mostradas en la película, no hay problema mientras sean representados por hombres como Jon Hamm o Jeremy Renner.

Green book - Lo mismo sin fronteras.

Los Oscars 2019 nuevamente cayeron en controversia (que a estas alturas le beneficia más que afectarles) porque se ha premiado a lo mismo de lo mismo. En este caso, el film Green book (Una amistad sin fronteras, como le pusieron en latinoamérica) si bien es un buena producción cinematográfica, cae en los mismo clichés sobre cómo lidiar con el racismo.

La últimas cuatro o cinco películas ganadoras del Oscar han resultado una más irrelevante que la siguiente, aun así no me molestaría darle una segunda vuelta Green book, puesto que para empezar su realización es impecable. Desde la época recreada, los sets, los decorados, el lenguaje, y la música. Sobre todo ese hermoso cadillac azul, que sencillamente deslumbra en todo el film. Junto a una edición correcta en su mayoría, que si bien no es arriesgada cumple perfectamente con el lenguaje mostrado.

Las actuaciones de nuestros protagonistas son magistrales. Mortensen en en el canal perfecto desde su lenguaje, sus comportamientos, su físico (aunque no luce como el Tony Lip original), logra crear un personaje bastante entrañable y con un arco fijo. Mientras que el musulmán Alí, a pesar de que su rol en escrito es muy básico casi de adorno, el actor es capaz de convertirlo en un personaje pleno y lleno de matices que en ocasiones saca a colación detalles que el propio film no expone.

Y es aquí que tenemos el problema, no creo por el momento que los productores y realizadores hayan sido malintencionados con el filme final. Sin embargo, las controversias no se han hecho esperar, como siempre al ser una película de alguna manera histórica y biográfica no es más fiel de lo que pudo ser. Amén de posibles lecturas de familiares tóxicos y intereses monetarios (me reservo opiniones), la película por si sola se cae a causa de la eterna visión muy frívola casi caricaturesca del racismo. En donde un personaje racista (blanco casi siempre) tiene una redención a partir del convivio con una minoría, a causa de un trato monetario o laboral, y por ende nos ofrecen un discurso de que “todos nos podemos llevar bien y olvidar nuestras diferencias” que si bien suena bonito, es muy superficial en como opera el racismo. 

La película habla del famoso “green book”, un libro creado por un trabajador de postales donde expone los lugares (hoteles, restaurantes y bares) donde los negros pueden entrar y ser atendidos; desafortunadamente no hay mayor exposición del mismo salvo por unas escenas donde al personaje afroamericano no puede entrar ni al baño de los blancos. Nuevamente es el tono esperanzador en el que Tony Lip deja de ser racista al grado que su familia también deja de serlo sin explicación alguna, para tener una escena navideña conmovedora digna de comercial de Coca-cola (perdón por los spoilers). 

Por mucho que él haya cambiado, el mundo no lo ha hecho, sigue siendo igual de racista, sexista y homofóbico. Por que casi se me olvidaba, la película también expone la homosexualidad de Don, pero como siempre solo queda hasta ahí, en una escena superficial de la que nos vamos a olvidar el resto del filme.

También está el hecho que Don, no conoce de la cultura popular negra, solo está instruido en lo “blanco”. A tal grado que el personaje no siente que encaja en ninguna parte, este podría ser un tema interesante de no ser que le no es el enfoque de la historia sino Tony. El Don mostrado en pantalla, podría fácilmente sostener un filme más rico e interesante, con sus cuestiones político sociales de hacer ver otra cara de los afroamericanos en EEUU, su idea de contratar “sirvientes” de cualquier otra raza menos la suya, la manera en que demuestra su elegante dignidad frente al resto, etc. 

Así entre otros detalles hacen a Green Book (una amistad sin fronteras, ni para ir al baño) otra raya más al tigre en cuestión de narrativas raciales donde el punto de vista que importa es el de el personaje blanco que descubre el racismo el malo. Sin explorar sistemas económicos, sociales, políticos y educativos que siguen perneando ideas erróneas en la sociedad. Solo basta con ver al presidente americano actualmente, ¿el hace que la gente sea racista?, O ¿les da la confianza de serlo?

Puños rosas – Un romance gay no tan romance.

En los inicios de la década del presente siglo se presentó una serie de films mexicanos con ciertas temáticas, tópicos, estilos y representación, la cual llegaba desde los 90 como respuesta al cine de ficheras y los melodramas baratos de los 70 y 80. Este tuvo por supuesto muchos críticos por su realidad ilustrada, uso de lenguaje soez, entre otras cosas. Cosa que actualmente parece irreal con el panorama actual de comedias románticas y remakes mas manoseados que una telenovela de Caridad Bravo Adams. 

En esa corriente llega en 2004 Puños Rosas del director Beto Gómez. Que trata sobre un romance homosexual en medio de la decadencia social y la delincuencia organizada… bueno más o menos. Y ese es el principal problema con el film.

Si bien no estamos ante un film malo perse pero si uno con bastante errado donde el mas equivocado es el propio director. Tenemos la historia de un boxeador quien por culpa de su padre apostador acaba en prisión y es donde se topa con un grupo delictivo con el que ve una posible familia. Y el sicario con una familia delictiva donde donde como todo grupo sicariato hay traidores y demás conflictos.

Estas dos historias se van poco a poco empalmando en una especie de atracción porque… sí. Volviendo a la dirección junto con el montaje, tal parecería que se “comieron” escenas enteras. Eventos y motivaciones suceden sin que se explique del todo, se ve que se quiso usar una sutileza en extremo donde sencillamente poco se entiende en la película, con escasas excepciones. 

Incluso el tema es demasiado vago; no es el choque de mundos, tampoco es la decadencia de un personaje el cual ya estaba en una sociedad precaria, mucho menos es la homofobia y el machismo en el mundo delictivo (tema que casi nunca es explorado en este tipo de historias) ya que muchas veces no cierra en dicho tema del todo. Mi percepción de que trato el film (más o menos) se ilustra en el encuentro entre el joven boxeador y el sicario. Donde el primero se encuentra al segundo matando a un tipo y se ven por vez primera, con el sicario no matándolo y dejándolo libre. 

Jimmy ha vivido en un mundo donde se tiene que sobrevivir como hombre, el trabaja en la morge maquillando cadáveres. Al principio el mismo menciona que ahí junto con boxear es el único momento donde se siente libre, un equilibrio entre una actividad convencionalmente masculina y una femenina. Así que tiene sentido que termine atraído por un sujeto que encarna todo los convencionalmente masculino. German, el sicario, es varonil, violento y además calmado; pero también asqueado con la manera en que ha sido idealizado pro todos, incluyendo su esposa. Pero en su caso no queda muy claro porque el siente atracción por el chico. Y todo queda ahí en atracción, descnozco si asi fue por una cuestión de censura o porque el director tenía esa intención (lo que por cierta razón dudo mucho), lo que no sería malo si no fuese por esta sutileza exagerada.

Del resto hay poco que mencionar, tenemos una fotografía con un estilo más cercano al vídeo home ochentero pero un retrato de la vida fronteriza más realista, donde los actores se ven sucios. En cuanto a las actuaciones, los protagonistas cumplen con sus roles bien, aunque el que interpreta a Germán peca un poco con su acento “pocho” se nota que a diferencia del resto el español no es su primer idioma. Hay algunos intrusos, comediantes del momento que fallan horriblemente en el tono y sirve de muy poco aquí.

Pero el simple hecho de ser producto de análisis, quizás se hay merecido una revisión. Pero solo quedo en un intento pretencioso de un tipo de relación poco vista en películas de su tipo, ya sean de Narcos o Lbgt. 

La Mula – Los latinos somos los nuevos rusos.

Ya se ha mencionado mucho que la sobrexposición de los carteles del narco, si bien ha hecho que mas latinos estén presentes en los medios hollywodenses, esto se hace al mismo tiempo de denostar mas a un grupo marginado en EEUU; asi como irónicamente promover ideas que son ya un hecho para el presidente Trump.

Por otro lado es interesante ver la variedad en calidad en estas películas y series. En esta estancia llega “La Mula”, la última del señor Clint Eastwood (quien merece cierto crédito al seguir produciendo a pesar de superar los 85 años) entra en esta larga categoría. Basada en un historia verídica sobre un vijeito americano quien sivió como mula para un cartel mexicano. 

El tema de Eastwood aquí es un tanto ambiguo, aunque a diferencia de la muuuuuy fallida “15:17 to París”, esta termina por tener un tema. Y de manera irónica da una imagen mas desconstructiva del macho americano con lo que el hombre se ha hecho famoso.

Uno de los fuertes puntos es el propio Eastwood su actuación como un gringo inocente, solitario y ojo alegre logra llenar la pantalla. Su personaje si bien llega al racismo casual, la ignorancia por su origen y condición religiosa/socio económica. Es tan “no racista” que inmediatamente se hace amigos de los narcos, y hasta se quiere volver el papá de uno. Que finalmente se contraresta con la realidad política, social y tecnológica del mundo en el que vive.

Sin embargo, la película no esta libre de los eternos estereotipos ligados al latino. Desde que la mayoría son feos, violentos, burlándose del gringito por tonto, hasta puertorriqueños, colombianos y cubanos haciéndose pasar por mexicanos… y Michael Peña otra vez de agente de la DEA.

En general tenemos una película decente, con un ritmo un tanto lento y monótono, pero es asi para llegar al momento donde todo el conflicto se centra en lo más importante: un gringo que tiene que aprender que la América de sus tiempos quedo muy atrás.

P.D. Bradley Cooper aparece aquí… de la nada. Luce muy guapo. 

Warner Bros. y su influencia

Durante la década de los 30, Leon Schlesinger hace un contrato con Warner Bros., para la producción de cortometrajes animados. Esto para competir con otras productoras como Walt Disney, MGM, etc.  Para ello contrató ex-animadores de Disney como Hugh Harman y Rudolf Ising, quienes más tarde contrataron a Friz Freleng, juntos crearon al que es históricamente considerado el primer Looney Toon: Bosko. 

Bosko fue introducido junto con su novia en el cortometraje: “Sinkin in the bathtub”. Bosko emulaba mucho de los iconos del momento como Felix the Cat y Mickey Mouse, siendo un personaje gota de tinta, mayoritariamente negro. Siendo parecido una especie de mono o personaje de cara negra, lo cual le trajo consigo futuras críticas y lecturas sobre el blackface, una forma de racismo por parte de blancos hacia las personas negras. El solo duró aprox. 19 cortos hasta que sus creadores tuvieron problemas con Schlesinger por asuntos de presupuesto y se llevaron al personaje hacia MGM.

A partir de aquí se producen la conocida serie de Warner “Merrie Melodies”, ya que Warner contaba con varias casas discográficas y era una manera de poder utilizar todo ese material musical. Pero sin Bosko, se necesitaba un nuevo icono para sus series. Tom Palmer crea Buddy pero en sus borradores no fueron del agrado de Schlesinger  y fue despedido, se dio su lugar a Freelang. Más tarde se introdujo Bean the Cat, pero a pesar de correr por casi 30 episodios, nunca fue un favorito para el público y se retiró el personaje. Durante su debut se introdujeron otros personajes como Ham and Ex, Oliver Owl y Porky Pig; siendo este último el que más destacó.

Porky debuta en “I haven't got a hat”, quien llamaba la atención por su tartamudeo. Se dice que Leon Schlesinger gustaba tanto del personaje que a pesar de que los animadores hacían otros personajes, el siempre pedía un corto del Porky o preguntaba seguido por el. El mismo sería el gran inicio técnicamente de la influencia de Schlesinger en el mundo de la animación, más porque él mismo contrata a otros animadores como Tex Avery y Chuck Jones. En el corto “I wanna play house” es el primero en el que aparece el clásico tiro al blanco en los créditos que se mantendrá como iconografía de la animación de Warner y “Honeymoon Hotel” es el primero que se hace a color, aunque tardaron más años en que todos los cortos fuesen en technicolor.

Animadores iban y venían como Jones, Freelang, Bitumul, etc. Schelling quien inició con un crew de casi 30 personas, ahora manejaba 300, entre artistas, dibujantes, animadores, escritores, ingenieros,etc. Eso a pesar de que era sabido que no tenía casi mucha idea y conocimientos en la animación. Lo cual trajo ciertas diferencias creativas, presupuestales, o artísticas; pues en muchas ocasiones los animadores tampoco tenían conocimientos en cine, sino más bien en comic, sátira pictórica, entre otras. Si bien Disney fue pionero en muchas técnicas como la sincronización de audio e imagen, o el uso del technicolor. Warner también tuvo experimentaciones además de lo antes mencionado. 

Principalmente en el asunto sonoro, Carl W. Stalling, fue uno de los grandes pioneros del fuerte impacto de los trabajos de Warner. Stalling había trabajado en Disney y más tarde se fue con Iwerks para musicalización de cortometrajes. Más tarde fue contratado en Warner donde tenía el acceso a una gran biblioteca musical. Hizo uso de Jazz, blues, clásico, folk, etc., haciendo rendiciones y mezclas para la banda sonora de los cortos, su más grande aportación fue el uso de la música y el sonido para beneficio del gag. Y es que antes de esto todo el audio era a lo mucho una acompañante en estas caricaturas, lo cual es muy reciente del cine live action.  Con la sincronización del audio, ahora el trabajo era reforzar con el mismo no solo el drama ni las acciones sino también los chistes. Estos experimentos dieron a una lista de música propia e identificable de los cortos de Warner, tanto así que fue fundamental no solo en la imagen del estudio, sino también para competir correctamente con su competidora principal Walt Disney.

Muchos personajes se fueron produciendo uno mejores que otros, como Daffy Duck, quien fue introducido en el corto Porky's Duck Hunt en 1937, quien rápidamente se convirtió en unos de los favoritos del público. Otro fue Egghead creado por Avery, quien por un tiempo fungió como una especie de cazador, más tarde este personaje se reinventó para convertirse en Elmer. Pero Ben “Bug” Hardaway creó un personaje que era básicamente Daffy pero en conejo, al cual sus compañeros lo llamaron Bug’s bunny en Porky's Hare Hunt. Después de algunas apariciones es Avery quien piensa en diversas maneras de elevar el potencial de dicho personaje.  Hasta finalmente llegar a la primer aparición del personaje ahora bautizado Bugs Bunny en A wild hare en 1940.

En la creación del mismo hubo muchas influencias como Groucho Marx, así como una fuerte carga de neoyorkino, junto con su frase ya clásica “What’s up doc?”, la cual Avery trajo de su brebaje en cómo texano. Volviendo a la competencia con Disney, los Looney toon resultan una alternativa completamente interesante, si bien los primero cortos de Mickey podían llegar a ser un tanto extravagantes, es Walt quien prefirió mantener una imagen dulce y conservadora hacia sus personajes. León y su crew prefirieron un tono más satírico, violento y bastante políticamente incorrectos, aunque actualmente es cuestionable en su momento, también había chistes y referencias racistas y sexistas, pero que de alguna manera provocan simpatía entre la audiencias de aquel tiempo; para este entonces comenzaron los fans de estos personajes quienes podía verse un film de dos horas con tal de ver la nuevas ocurrencias de Bugs. Además de eso, tambien solian hacer parodias y diversas deconstrucciones de la imagen Disney, la famosa y controversial animación Coal Black and the Sebben Dwarfs de Clampett, es un gran ejemplo de ello al ser una parodia de Blancanieves y los Siete Enanos.

En 1944 Leon Schlesinger vende todas la acciones de Looney Tunes y Merrie Melodies en su totalidad a Warner y Jack Warner y Edward Selzer se quedan a cargo de todo. Es aquí cuando a pesar de todo inicia con una nueva era para la serie donde se introdujeron muchos personajes actualmente establecidos como: Sylvester, Tweety bird, Yosemite Sam, Pepe le Pew, Foghorn Leghorn (El gallo Claudio), Marvin, entre otros se iban sumando al gusto del público. Y en 1947, el estudio gana su primer Oscar con el corto Tweetie Pie en 1947.

Para los 50 con las técnicas en animación, dirección, arte y sonido ya perfeccionadas se produjeron los considerados clásicos del momentos como: Rabbit Seasoning (1954), Rabbit Fire (1951), Duck Amuck (1953), Duck Dodgers in the 24 ½ Century (1954), One Froggy Evening (1955) y What’s Opera Doc? (1957) la que ha quedado registrada en Congreso Nacional de Cine, quedando como un clásico de la cinematografía.

Entran los 60 y el televisor se vuelve, desde la década pasada en el nuevo invento de la sociedad contemporánea, al principio ignorado paro para este entonces la industria del cine lo vio como una amenaza. Esto también le afectó a Warner Animation al cual, en principio vendió los cortos de 1930 y parte de los 40 para ser exhibidos en televisión abierta, lo cual drásticamente bajo el interés de las audiencias en mirar caricaturas por el cine cuando lo podían hacer en casa, Señorella and the Glass Huarache en 1964 se convierte en el último Merrie Melodies hasta los 80. Es esta década que estos cortos se vuelve “The Bugs Bunny Show”, el cual actualmente es uno de los más longevos en la televisión mundial.  En 1969 Warner bros cierra su estudio de animación.

Friz Freleng y David DePatie dejan Warner y juntos crean su nuevo estudio de animación DePatie - Freleng Enterprises Inc., aunque siguen por un tiempo bajo la distribución de Warner. De este hijo de la Warner, nace The Pink Panther Show, su mas grande exito, y que sigue todas las normas en influencias de los Looney Tunes, sobre todo en el uso del sonido y la música para el efecto de creación de chistes, gags, y narrativa, pero con un estilo propio. También llegaron otras creaciones como The Inspector, Tijuana Toads, The Ant and the Aardvark, que aunque tuvieron buena aceptación nunca igualaron el éxito de la Pantera. 

Pero aun así, sus cortos también sufren el cambio por la televisión durante los 70 se declaran en bancarrota y en 1981 es vendido a Marvel Comics (quien más tarde sería adquirido por Walt Disney Company). Estas series han tenido éxito en comics y en futuros sindicalizaciones y transmisiones televisivas alrededor del mundo.

Posteriormente se inicia un nuevo interés por la animación clásica, es aquí donde Warner tiene nociones de reabrir su estudio de animación. Chuck Jones en pleno auge de documentales sobre los animadores, durante los finales de los 70 y 80 se lanzan películas que son compilaciones de los cortos clásicos y populares de los Looney Toones. Y en 1985 Bugs Bunny recibe su estrella en Hollywood. 

Llegan los años 90, una nueva era renacentista para la animación luego de los estáticos 80. Y el ahora abierto estudio en Warner junto con la producción de Steven Spielberg, crean animaciones para las nuevas generaciones que emulan todos los principios estipulados desde los 30, la primera siendo Tiny Toons los cuales son un grupo de universitarios todos siendo espiritualmente versiones más jóvenes de los personajes clásicos. Más tarde llegaron Batman the Animated Series, Animaniacs, Pinky and the Brain, Godfathers, Slappy Squirrel, entre otros. Muchos de estos personajes sirven como una deconstrucción a los propios Looney toons, varios hacen alegorías a los tiempo de antes, hay una uso de las teorías conspirativas sobre los mismo en el show. Por ejemplo Wako, Yako y Dot, son supuestamente encerrados en la torre de agua del estudio junto con los rollos de sus cortos para ocultarlos, similar a como se ha hecho con Bosko, sus apariencias a animales poco identificables y siendo completamente negros en whiteface. Así el estudio se hizo de más fans y entusiastas de la animación alrededor del mundo.

En la actualidad Warner Animation está ligado con Cartoon Network (la cual maneja Hanna-Barbera), y tiene un estudio propio para producción cinematográficas aunque no tiene el nivel de éxito que otros como Disney, Dreamworks, Pixar o Illumination. La influencia de los Looney sirvió mucho como una manera de transgresión, en una era que aunque no se piense de esa manera fue bastante conservadora, de ahí que el principal estudio maneje narrativas más conmovedoras como Disney, que hasta el dia de hoy se sigue parodiando. Mientras tanto Warner formó y creó el concepto moderno de la caricatura; personajes exagerados, animales antropomorfos, gags visuales y musicales, innuendos sexuales, referencias pop, y el uso del maltrato y abuso como manera políticamente incorrecto de humor. El uso del audio como se ha dicho muchas veces parecía nada y se volvió ya un regla básica en el mundo de la animación, es muy interesante como el audio cue y el leitmotiv se utilizan para crear una especie de tensión con disonancia tonal en momento de tristeza donde lo que genera es risa. Se puede ver esto en ya cualquier serie animada actual.

Lo que sí ha cambiado son las narrativa, en la antiguedad habia mas enfoque en el uso de gags, y la figura y la forma que la historia en sí. Actualmente las series ya tienen historias y mundos más complejos e imaginativos, con más posibilidades para el desarrollo de personajes. Esto irónicamente he influido a la propia Warner ya que el reboot de los Looney Toones se alejó mucho del cartoon clásico y es más un sitcom animado con líneas narrativas y arcos de personajes. 

Por supuesto, su legado también constituyen a todos sus hijos, Hanna-Barbera, DePatie-Freleng, Filmation, Cartoon Network, etc. Quienes a diferencia de los hijos de Disney como Pixar, y gran parte del anime, es los primeros continúan con la tradición del cartoon en sus animaciones, movimientos y tramas básicas. Hay otros exponentes como las animaciones para adultos como Los Simpsons, Family Guy y Futurama quienes nuevamente el gag audiovisual es herramienta crucial para la transmisión de sátira política y social se podría decir que mucho más aguda. Lo irónico también es que el estudio Dreamworks, donde Spielberg también participó, también ha tomado mucho de estas construcciones al formato Disney para enfrentar, principalmente con filmes como Shrek, Kung fu Panda y Megamente. Actualmente la guerra contra el estudio de Walt aun continua solo que en el género cinematográfico de Superhéroes.

REFERENCIAS

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Blanca Nieves y los siete enanos

Blanca Nieves… es si bien de manera controversial y debatible, el primer largometraje animado en la historia, al menos en su tipo. En ese entonces la animación se limitada a prácticamente dos corrientes, la del entretenimiento por medio de caricaturas en cortometrajes exhibidos en cine antes de la función principal; o en su defecto, por obras de intención muy de nicho o experimentales, donde artistas estarán más enfocados en la simbología y la expresión de movimientos de figuras y formas que el de una narrativa, al menos comúnmente. 

Del primer tipo encontramos personajes creados por el estudio de Walt Disney como Oswald, o Mickey los cuales fueron conceptos de su tiempo: personajes simples, y con escasos detalles con movimientos exagerados y totalmente irreales, esto para ahorrar costos más que nada. Sin embargo, Walt junto con su crew deseaban expandir el campo de la animación comercial, y a pesar de que incluso en nuestros días la animación sea considerada “inferior” al live action; no se puede negar que el segundo le debe mucho al primero. Volviendo, durante la década de los treinta en sus cortometrajes se introdujeron una gran variedad de técnicas e innovaciones que son relevantes hasta ahora: La sincronización con sonido de ”Steamboat Willie”, el Technicolor en “Flowers and Trees”, la cámara multiplano para el efecto de profundidad en las celdas, etc. 

Por supuesto estas y muchas más se debieron en parte al gran proyecto que Walt Disney tenía en mente, su primer largometraje. El proyecto, llamado en su momento “la locura de Walt” por todo el mundo, y es que en aquellos momentos la sola idea de que la gente, en especial los adultos se sienten a ver una ahora y pico en una caricatura resultaba poco real. Walt no se rindió y gasto 1.7 millones de dólares en la producción de Blanca Nieves, una adaptación del cuento clásico de los hermanos Grimm.

El iniciar con una cuento fue en gran medida ya que además de ser film experimental, este también debía ser universal, lo que quiere decir que debe ser del gusto de la mayoría, por ende la elección de un cuento clásico. Aun así el proceso de la elaboración del guión fue complicada por esto mismo, la película no debería contener tanta violencia y nada de insinuaciones sexuales como sí lo haría su homónima original. Además de eso, la historia y narrativa en sí debía ser la indicada para un lenguaje cinematográfico, aquí donde el storyboard sería una pieza muy clave en la preproducción. Unos personajes y trama que gusten a chicos y grandes, para ello nuevamente el medio de la animación sería fundamental para conseguir esto.

Una de las técnicas que se desarrollaron en esta época, fue la rotoscopia. Donde en un rotoscopia se copian en dibujos, una serie de fotografías de un rodaje en live action simulando las escenas de la película, esto es para darle un mayor realismo a la animación de personajes especialmente el de los humanos. Si bien la misma es obsoleta y en ocasiones hasta criticada, es justo darle el crédito en la futura formación de principios y técnicas para la animación de personajes. 

Aun así y debido a las limitaciones de la época, hubo muchos eventos y detalles que tuvieron que ser cambiados y eliminados en el proyecto final, como el epílogo. Además de eso, la animación de personajes humanos siguió con complicaciones, sobre todo con el príncipe; y es que incluso en la actualidad esto es algo que se viene diciendo en cada making off.. de estos proyectos. El dibujar hombres, en especial hombres atractivos es lo más complicado que hay, de hecho nadie quiere animal al príncipe debido a que como arquetipo está limitado en movimientos y poses amén de conservar todos sus detalles, a diferencia de un personaje más caricaturesco que tiene mayor rango de expresiones y movimientos. Es por ello que el mismo tiene poca participación en la película.

Walt quería que cada personaje tuviese un sello distintivo a la hora de animarse, para que lo visual “hablara”, esto fue sumamente complicado, en esa epoca habia una forma de animar un cierto objeto, animal, personaje y se seguía tal cual. Pero ahora no podía ser así, esto se resalta más en los duendes si bien contaban con rasgos y estatura similares, en su expresiones y movimientos es donde cada uno debía resaltar. 

Otro aspecto fundamental en el film es la música, composiciones hechas por Frank Churchill, donde quedaron atrás las melodías típicas de las caricaturas para una banda sonora completa y memorable. Esto se continuaría cada vez más con cada estreno del estudio Disney, desde la imagen y el audio/música; se veía claramente la visión de Disney de que esto de debería ser una simple caricatura si no algo más ambicioso y que los otros realizadores se dieran cuenta que la animación era otro medio factible para contar historias, desarrollar personajes, establecer ideales y manejar un estilo casi de autor.

Al ser lanzada en la navidad de 1937, y después de varias controversias, la película se estrena con gran éxito, generando 8 millones, convirtiéndose en la más taquillera de su tiempo. Ganado varios premios, incluyendo un Oscar honorífico, así como el gusto del público. La película marcó un antes y después en el cine; donde muchos famosos autores se han inspirado en sus filmes live action, la animación continuó como un tecnica valida para largometrajes, y básicamente dio inicio a una larga, próspera, pero también bastante truculenta y controvertida historia del estudio Walt Disney y sus largometrajes.

Bibliografía y Referencias

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e-seven-dwarfs

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