Toy Story 4 – De lo dado lo obtenido

Cuando se anunció la cuarta entrega de esta mítica franquicia, la reacciones fueron mixtas, desde quienes la ven como otro intento absurdo de la casa del ratón para hacer dinero a costa de un producto innecesario, a lo que a pesar de todo estaban dispuestos a darle la bienvenida. 

A diferencia de otras secuelas desabridas de Pixar como Incredibles 2 o las continuaciones de Cars, con Toy Story 4 tenemos un film bastante digno aunque desafortunadamente sufre por tener fallas más notorias que sus predecesoras además que llevará el estigma de ser una película de más.
El apartado visual es impecable, sabemos que es Pixar y con esos presupuestos que se cargan la calidad de sus animaciones debería ser alta debería como mínimo, pero ellos logran siempre superarse. El nivel detalle en las texturas como la madera, el metal, las plantas, la diferencia entre el plástico de Woody y el de Forky por ejemplo. El uso de la iluminación entre con ventanas, texturas, agua, variando con las fuentes de luz. A diferencia de El Gran Dinosaurio cuyos fondos hiperrealistas chocaban con sus personajes caricaturescos, aquí se logra un balance entre sus fondos realistas y los personajes icónicos desde hace 24 años.

Los nuevos personajes como Gabby Gabby, Forky, Duke Caboom, Ducky y Bunny son buena adiciones al ya larguísimo cast de personajes; los primeros teniendo arcos interesantes y emotivos. Pero esta es una nueva Toy Story 2 ya que Woody es quien nuevamente tiene el mayor peso dramático y enfoque; si en la última entrega el punto era el de dejar ir a Andy, ahora es hacer su vida aparte. Así es como llegamos a Bo Beep quien pasa a un rol más proactivo e independiente debido a sus experiencias pasadas, aunque en ocasiones este recurso se exagera.

Debido a esto con Woody y los nuevos personajes, se sacrifican cualquier arco posible para el resto de las juguetes, incluso los introducidos en la anterior entrega solo continúan como muebles en la película. Y tomando en cuenta su final, si resulta un tanto decepcionante que a duras penas tengamos algo relevante con Buzz, Jessie, o Slinky.

Si bien es un problema bastante notorio, Toy Story 4 aún es una película lo suficientemente emotiva, entrañable y visualmente bella como para justificar su existencia.

Us - Crítica

No podemos negar que la primera mitad de Us es excelente: una tensión y misterio bien cimentados, un magistral movimiento de cámaras, una paleta de colores interesante y una formidable actuación de Lupita Nyong'o.

La primera escena no solo nos coloca en tono, sino propone la calidad que tendrá la al menos la primera parte: una niña quien en una noche en una feria con sus padres aprovecha que están distraídos y se desvía donde tiene una experiencia sobrenatural: solo ahí Pelee hace cine.

De ahí vamos un poco a lo tradicional, una familia tiene un viaje a la playa; un esposo burlón,  una hija debatiendo sus habilidades escolares y un niño que hace trucos de magia, quienes muy pronto estarán a merced del horror. Mencionando a Nyong'o quien sin dudas se luce en todas la facetas del personaje, sobre todo su semblante misterioso bajo un perfil de esposa común y corriente.

Luego tenemos la primera interacción de estos con sus dobles paralelos (Doppelgängers), seres que son la versión corrompida de cada miembro de la familia; en toda la escena tenemos al director subiendo las expectativas entre la tensión dramática y el terror psicológico de nuestro personajes.

Sin embargo, es después de esto que el film se le cae, puesto que se vuelve una especie de zombie film (con unos niveles arriba), con la familia escapando de sus raptores que solo juegan con ellos mientras que cualquier otro personaje muere rápidamente, esta rutina llega a ser un tanto molesta pues resalta las conveniencias del guión.

También hay varios giros que llegan a lastimar el concepto, así como hay otros que resultan muy predecibles. Aunque aprecie la dirección anteriormente también he de decir lo predecible que es el giro principal, no quiero spoilear y entiendo que manejar el misterio durante el film sin ser tan directo puede resultar complicado, pero siempre hay una manera. 

Hubo un momento donde parece que va por otra ruta pero al final solo confirmo sospechas, y el mismo giro por sí solo no es malo además que se logra explorar las implicaciones del mismo en cierto sentido, pero entre eso y que la historia se hace menos interesante, pues lastima el film final.

Ya podríamos ir al final tan controvertido ya con varias lecturas, para efectos de esta crítica no podré irme más a detalle pero basta decir que Pelee hizo una exploración del ser humano y su lado salvaje, de alguna forma todos “usamos una máscara” (o un doble), aquel lado que no sólo ocultamos sino que pretendemos que nunca podría existir, uno donde podemos llegar a nuestro límite en una situación de crisis, donde a veces es difícil saber quién es el doble.

X-Men Dark Phoenix - Ya acabemos con esto.

Creo que la reacción con el último filme de la saga X-Men fue acabar con todo de una vez, no solo los actores estaban cansados sino también el público, y la crítica en general a pesar de ese nefasto 22% en Rotten Tomatoes.

El principal problema aquí es lo marcado que están los cambios constantes, tenemos distintos tonos, distintos formas narrativas, motivaciones raras entre los personajes y hasta la fotografía luce inconsistente.

Salvo por Jean Grey donde Sophie Turner da una formidable actuación (pues sabe que es el último vehículo para tener una carrera en el cine) todos los demás están de mero relleno y es increíble el poco tiempo en pantalla que tienen llegando a niveles de mero cameo, principalmente Mystique con una JLaw en la tremenda decadencia.

Pasando a otros como Xavier y Magneto quienes aprenden la misma lección una vez más, quizás porque en sus 20 minutos en pantalla no pueden hacer otra cosa, lo mismo con el resto del cast, incluyendo Jessica Chastain que interpreta a una disque alíen y es aquí donde la actriz demuestra o que es mal eligiendo proyectos, o que tiene limitaciones como actriz.

De ahí en fuera casa nada es destacable, ni los efectos especiales cuya calidad varia según se le da la gana. O esa narrativa que parece varios guiones pegados con una grapadora (se notan los re-shots) o esa resolución bastante anticlimática, donde el mensajito "pro emociones" ya causa risas porque esta en la misma condición que todo el filme, sacado de la manga.

Swordfish - Cuando las explosiones dosmileras no te despiertan

El 9/11 cambió el cine, de eso no hay duda. Entre ediciones a promocionales y trailers, cambios de diálogo, re-shots, cambios de narrativas, el uso de iconografia y simbología, y un largo, largo etc. Podríamos decir que el mundo nunca será el mismo y eso incluye lo que que se puede mostrar en los medios. Así que es de extrañar que el filme de Dominic Sena (quien he hecho más carrera en el sector del videoclip, afortunadamente) me resulte más que repelente, aburrida.

No es por ser prejuicioso pero cuando ves una película de acción que dura hora y media (y no las dos horas tradicionales) hay dos reacciones: el de alivio de no tener que lidiar tanto tiempo para un probable churro fílmico, y de peligro pues en realidad estas suelen resultar ser peores que una de tres horas.

Y dicho y hecho, ya con que el primer acto termine a casi los cuarenta minutos es mala señal, más si esta resulta ser más interesante, o mejor dicho, menos peor que la segunda. Al comienzo mínimo el ritmo es decente y las escenas cumplen con establecer los personajes, sobre todo al protagonista, también se crea cierta expectativa por una secuencia con un cierto personaje.

De ahí en fuera es darle vuelta al asunto una y otra vez, envueltas en escenas acción que tiene poca importancia, que si bien al protagonista si le interesan al director y al guionista no. Los personajes son unidimensionales, tenemos otro autor que piensa que haciéndolos narrativamente bipolares o dotándolos de discurso pseudofilosoficos es lo mismo que ser complejos y profundos, que más que lograr volverlos fascinantes los vuelve molestos.

El background del videoclip de Sena es un acierto y a la vez un pesar, con una fotografía en alto contraste y colores gunge (porque refleja un mundo doble cara… lo se, es un genio malévolo), puede resultar contraproducente por lo oscura que se torna literalmente. Y en cuanto la edición, si resultan curiosos los constantes cortes en algunas escenas, pero de alguna forma en ciertos momentos deja de ser cine para convertirse en videoclip dosmilero, pero tampoco llega a estar tan estilizado como para darle el mérito.

Ya no hablemos de los efectos o más bien defectos especiales, entiendo que es del 2001 pero incluso para la fecha eran horribles. La primera secuencia casi se arruina por esa explosión que ni en un powerpoint del Windows 98 seria valido.

Y asi concluye con un final tan predecible que resulta hasta ofensivo los intentos de querer sorprendernos con su “magistral” y “entretenido” giro. Pero nos deja varias lecciones: los hackers se sorprenden por tener siete pantallas en vez de una de frente, el como no todos los padrastros son malos excepto si estos son directores de cine porno, como el ser terrorista doméstico es la cosa más fantasiosa en ese universo. Como se nota que estábamos a dos meses del atentado al World Trade Center.

En pleno 2019 la película parece un híbrido extraño entre la ironía costumbrista y el refuerzo de teorías para conspiranoicos.

PD: Hugh Jackman muestra su pecho velludo en varias escenas, y creo que Halle Berry muestra los pechos en una toma también, no recuerdo bien.

Domino y la decadencia absoluta de De Palma

Es extraño cuando algunos directores reconocidos caen en el abismo, no hablo de casos Roman Polanski que ese es discurso para otro día, si no de aquellos que su “chispa” se les apaga y cada vez hay menos esperanza que se recuperen.

Uno de ellos es Brian de Palma, el controvertido director de la de década de los 70, 80 y parte de los 90 por su cine violento y claramente masculino. En las últimas décadas se ha notado una desaparición total del gremio, siendo su antepenúltimo film en 2012, eso fue hasta este año que estrena Domino.

El film trata de un policía quien busca venganza por su compañero, quien muere a manos de un supuesto terrorista quien luego es forzado por la CIA para encontrar un líder del ISIS. Un tópico con el que nos hemos topado miles de veces pero hasta ahí está bien. Mínimo De palma tiene un historial y experiencia suficiente para entregar un mínimo de calidad.

Creo que ya llevaba tiempo que no veía un film tan insignificantemente malo, desde el primer plano rápidamente nos remite a una película digna de nivel estudiantil noventero, hasta parecía inicio de sitcom. Por su director uno pensaría que es una propuesta artística osada, pero digamos que a partir de ahí son puras propuestas de este estilo.

La primera secuencia entre el protagonista y su amigo (Nikolaj Coster-Waldau y Søren Malling) es superficial y floja como para que creamos en este lazo que desatara la motivación interna de nuestro “héroe”. Tenemos los clichés de toda la vida: el policía solitario, desalineado, arrebatado, soltero o mujeriego; frente a su amigo maduro y con familia pero infiel. Y lo mismo con el resto de los personajes: la esposa enferma, la amante policía, los terroristas morenos y los gringos malos medio espías.

Saltémonos la mala musicalización, un híbrido extraño de orientalización y pésima sincronización. La horrible fotografía con una iluminación falsa, imagen opaca, alto contraste sin motivo y colores que solo están ahí por el “film look”. Y la edición llena de disolvencias y cortes extraños que hacen a uno preguntar si el crew postproducción saben que existen softwares más sofisticados que el Movie Maker (y hasta gratis).

Mejor vamos a enfocarnos en cómo De Palma muestra su racismo, el terrorismo, plagado de estereotipos xenófobos y escenas que causan risa (aunque no deberían) como un atentado en un festival de cine que nuestro personajes toman como cualquier cosa, digo lo importante es vengar al compañero que ni su nombre recordaremos, el resto de los muertos valen queso.

Explicando un poco esa escena: ISIS envía a un agente (a una mujer) a hacer el sacrificio por Ala de ir a matar “impuros” a un festival de cine con un montón de celebridades mientras todo se graba en aparatos sujetos al arma (estos señores tienen mejor equipo fílmico que el director por cierto), donde ella mata todo un grupo de idiotas que no se mueven ni reaccionan ante la obvia cercanía de la terrorista (la seguridad estaba en su hora de descanso supongo), así hasta les dio tiempo de ver la fantástica explosión suicida hecha en powerpoint del Windows 98.

Otra escena fantástica (créanme hay varias) es la del clímax, la cual toma lugar en España con una corrida de toros donde todas las mujeres están bronceadas y con flores en su cabeza cual flamencas (la estética estereotipo la va bien a De Palma), eso mientras los terroristas están en un edificio cercano con un brillante letrero. Ahí designan a dos hombres, uno que distrae a los policías y otro que será un vendedor suicida.

Aquí es donde todos: el prota, los malos, la policía, los asistentes, la CIA y por supuesto el director, el fotógrafo y el guionista demuestran lo mensos que son. Porque cosa más anticlimática no puede haber en cine alguno y no, agregarle slow motion y caras constipadas no aumenta la tensión sólo ralentiza la película.

De ahí vamos a rápidamente a uno de los finales más patéticos en la historia del cine, donde me queda la gran duda ¿cúal es el tema de la película?

El terrorismo no es porque es tan irrelevante como cualquier cosa, tampoco es la amistad porque eso le valió al director, ni siquiera es la venganza por mucho que lo marquen a cada rato; nunca hay una epifanía, una confrontación o una concientización vamos ni siquiera una justificación a tanta pendejada en pantalla.

Si la colonia hablara – Cuando otras voces hablan.

En los últimos años ya se puede notar una mejor apreciación hacia las historias con otros puntos de vistas, aquellos días donde la única voz escuchada era la hegemónica blanca, heterosexual y conservadora están desapareciendo, decir esto ya es incendiario, ahora vemos más seguido las historias de gente de color, mujeres, LGBT+ y demás exponiendo temas, géneros y estructuras nuevas.

Hace poco hable de Green Book, como a pesar de ser una película bien realizada maneja el mismo discurso racial de todo la vida. If Beale Street could talk es totalmente lo opuesto, vista ahora me resulta ofensivo que esta película tuviera menos relevancia en los premios de la academia. 

If Beale… nos muestra el romance de Tish (KiKi Layne) y Fonzo (Stephan James) en medio del racismo norteamericano en los años 70. El segundo es acusado falsamente por violación y nuestra protagonista nos cuenta con lo que tiene que lidiar para intentar sacarlo a pesar de estar embarazada.

Tenemos una película realmente bella, desde su fotografía, su vestuario, las escenas con el uso romántico del slowmotion. Sorprende la capacidad para balancear un bello relato con la cruda realidad de la época. Algo permite esto son las narraciones de la protagonista donde vemos descripción de escenas, eventos, personajes y contexto histórico-social acompañado por imágenes.

Dicho balance se encuentra en las escenas familiares, siempre aplaudiré películas que muestren relaciones familiares poco convencionales a las típicas hollywoodenses, pero aquí tenemos a una familia que brinda su apoyo y cariño sin lucir idealizada, es refrescante.

En actuaciones además de la ganadora Regina King, tenemos a Layne y James quienes debo decir fue la primera vez que los veo y me han encanado, a revisar la filmografía de ambos. También destaca Emily Ríos la víctima de violación, quien además establece otro nivel al ser una mujer latina.

En un principio tenia mis dudas por tocar el tema del abuso en la era del meetoo pero el director supo manejarlo lo mejor que pudo, no daré mas detalles al respecto, nos trae una de las escenas más impactantes y poderosas del filme.

Pero creo que lo que mas llamo mi atención es el tema del racismo, nuevamente si algún seguidor de Trump la ve solo concluirá con: “oh todos los blanquitos somos malos”. Pero es bastante claro y directo que el problema radica en sistemas jerárquicos injustos y no en gente mala porque sí. A diferencia de Green Book donde siguen con el peligroso mensaje que el racismo es algo del pasado, en If Beale… se muestra que es una serie de injusticias que llevan años y siguen existiendo: brutalidad policíaca, prejuicios raciales, la manera en que la mujer de color es vista, etc. 

La sutileza se utiliza para momentos violentos, no tenemos el controversial “torture porn”, todo esta tras las narraciones sutiles de los personajes; hay particularmente una escena impresionantemente perturbadora con cierto personaje.

Claramente un crecimiento a Moonlight y si bien la película estuvo nominada a ciertos premios y hasta gano uno, está claro que la academia no esta lista o preparada para realmente apreciar este cine, poco a poco supongo.

Bohemian Rhapsody - Música y solo música

Ya había sido advertido sobre las carencias del film de Bryan Singer (que lo corrieron por abusador) y luego de la última ceremonia de los oscars las críticas fueron aún más duras, y en su mayoría con justa razón.

El film si bien no peca ser aburrido si lo hacer de simplemente no tener un enfoque claro, sombra la vida de Freddie Mercury, solo tenemos una línea base con un montón de pizcas de otros temas y lecturas mucho más interesantes que lo mostrado (aunque eso no haría la película el exitazo en que se convirtió).

El film inicia con un joven Freddie y sus conflictos de joven no-blanco en los 70 hasta que se topó con su futura banda y rápidamente tienen éxito. Y ahí tenemos el primer problema, el ritmo es esquizofrénico, al no tener un conflicto en la banda hasta ya muy adentrada la segunda mitad realmente. 

Uno pensaría que el enfoque tiene sobre su raza, y su alejamiento de sus raíces para ser el mismo. Esta temática de que la gente de color por regla deben tener contacto con sus raíces, osea tener un nivel de autenticidad para aprobación ha sido un tema de debate en los últimos años, y habla mucho del racismo implícito actualmente. Mercury se cambia hasta el nombre, adquiere una apariencia más “blanca” entre otras cosas y su familia tiene un cierto miedo en que se aleje de las costumbres, pero el film tampoco va por ahí realmente, es otro ”topping” a la mezcla. Al igual que Green book donde establecen al Shirley como alguien alejado de la cultura negra, pero todo queda en subtexto sin una reflexión o discurso al respecto.

Luego tenemos el punto controversial, la manera en que la sexualidad de Freddie es ilustrada. Partiendo al éxito, no es ningún secreto que una de las razones es porque el FM con sexualidad no normativa y descontrolada no fue mostrada como debía, hubo tomas sutiles porque esa información es de conocimiento público, pero siempre con un dejo moralino al respecto. 

Freddie está solo, mientras que sus compañeros heterosexuales tienen mujer porque él es un maricón hedonista, nunca hay una confrontación hacia la homofobia que sufrió en su entorno social y familiar. Todos lo miran raro y quienes lo aprecian lo hacen casi como si fuese una mascota (digo, a como está ilustrado en el filme que sabemos perfectamente que no es 100% fidedigna), hasta que el lamentablemente contra el VIH. Tenemos su vida (más o menos) con su primera esposa, más básicamente nada de su relación con su compañero masculino hasta su muerte en 1991.

A nivel de producción, es bastante digna desde la época, el vestuario y la fotográfica y por supuesto la música. Sin embargo, como han dicho varios la edición es desafortunada, es estilo sobre sustancia, no hay nada de malo en romper las reglas y hacer multicortes, si la escena lo requiere pero en ningún momento de film hace falta esa clase de edición.  

Pero supongo que todo ese tiene un propósito, que la gente vaya a oír la música, vean lo que ya medio se sabe de Mercury y que algún fan que sea homofóbico no piense en su “ídolo” como un ser humano y su identidad sexual/racial es mucho más relevante de lo que parece, si no en un objeto para entretenimiento. Esto mejor representado no pudo estar en el final, lo cual son casi 20 minutos de Queen en el concierto y ni siquiera se puede uno quejar pues a eso venimos ¿no?